Cipe Pineles, la diseñadora que reinventó la mirada femenina

Hay personas cuya biografía parece diseñada a propósito para desafiar toda convención. Ciporah Pineles llegó a Ellis Island en 1923 con trece años, hija de una familia austriaca judía que huía de la inestabilidad centroeuropea tras la Gran Guerra. No traía otra cosa que determinación, un talento todavía sin pulir y, probablemente, la convicción de que aquel país nuevo tenía que ofrecerle algo más que un papel secundario. Nueva York, la ciudad que nunca duerme, fue el escenario perfecto para una mujer que tampoco tenía ninguna intención de hacerlo.

Desde el principio, su camino estuvo sembrado de obstáculos que poco tenían que ver con sus capacidades. Siendo adolescente, asistió al Bay Ridge High School en Brooklyn y más tarde consiguió una beca de la Fundación Tiffany que le abrió las puertas del Pratt Institute, donde estudió Bellas Artes entre 1927 y 1931. Completó su formación artística en la Louis Comfort Tiffany Foundation, una residencia de verano para artistas que reforzó su sensibilidad hacia la ilustración y la pintura. El mundo del diseño gráfico tal como hoy lo entendemos apenas existía entonces; las revistas de gran tirada comenzaban a convertirse en poderosos vehículos de comunicación visual, y alguien tendría que darles forma. Esa alguien sería ella, aunque tardara aún unos años en demostrarlo.

Antes de dar el salto definitivo à la industria editorial, Pineles trabajó como profesora de acuarela en una escuela pública de Arte en Newark, Nueva Jersey, y sobrevivió à la Gran Depresión diseñando folletos y papelería corporativa para un complejo turístico en las Adirondacks, actividad que compaginó durante años. La crisis económica que arrasó Estados Unidos a finales de los veinte la obligó a reinventarse, pero también la curtió. Cuando finalmente comenzó a trabajar en 1931 en Contempora, un estudio formado por profesionales europeos emigrados, ya sabía perfectamente que la industria no iba a ponérselo fácil por ser mujer. Sin embargo, precisamente en ese estudio llamó la atención de la esposa del magnate Condé Nast, quien la recomendó al hombre que cambiaría su carrera para siempre.

El aprendizaje con el maestro Agha

Mehemed Fehmy Agha era un director artístico turco-ruso con fama de revolucionario y con la reputación de ser el hombre que había modernizado las publicaciones del grupo Condé Nast introduciendo los principios del Movimiento Moderno europeo en la prensa americana. Bajo su mando, Vogue y Vanity Fair adoptaron tipografías como la Futura, priorizaron la fotografía sobre la ilustración y comenzaron a tratar la página como un espacio compositivo en lugar de un simple contenedor de texto. El espacio en blanco dejó de ser un desperdicio para convertirse en un elemento expresivo, y los titulares ganaron libertad para aparecer en cualquier parte de la página sin seguir una jerarquía rígida. Era, en definitiva, una nueva forma de entender el diseño editorial.

Pineles se incorporó como asistente de Agha en 1932 y permaneció junto a él durante cuatro años. Lejos de limitarse a tareas mecánicas, aprendió los fundamentos de la dirección creativa con una avidez que el propio Agha reconoció otorgándole una libertad operativa inusual para alguien en su posición. Le permitió responsabilizarse de proyectos en solitario, experimentar con la maquetación y desarrollar su propio criterio editorial. Pineles creció bajo esa tutela con una velocidad que sorprendía incluso a sus colegas masculinos, muchos de los cuales, por cierto, tardaron bastante en aceptar que una mujer pudiera pensar el diseño de forma tan estratégica.

Durante esa etapa formativa, Pineles asimiló también algo que definiría toda su filosofía de trabajo posterior: la idea de que el diseño no es decoración sino pensamiento. Diseñar una revista no consistía en embellecer unas páginas, sino en construir un relato visual que dialogara con el contenido y con la lectora que lo iba a consumir. Ese principio, aparentemente sencillo, era en realidad bastante subversivo en una industria que durante décadas había tratado las revistas femeninas como catálogos con textos de relleno. Ella tenía otro plan.

Glamour y el nacimiento de un estilo propio

En 1942, Cipe Pineles dio el salto que la convertiría en un nombre histórico: se convirtió en directora artística de Glamour, la publicación de Condé Nast dirigida a mujeres jóvenes, siendo así la primera mujer en alcanzar de forma autónoma ese cargo en una publicación de gran tirada en Estados Unidos. No era un puesto simbólico. Era la máxima responsabilidad editorial en términos visuales, y ella lo asumió con una claridad de ideas que dejó huella desde el primer número que supervisó.

En Glamour desarrolló lo que sus contemporáneos llamarían su estilo modernista y lúdico: un uso de la tipografía directamente vinculado a las vanguardias artísticas europeas, capaz de transgredir los márgenes, dialogar con las imágenes y crear juegos de significado que iban mucho más allá de la mera legibilidad. Utilizó la tipografía figurativa en páginas de moda y editoriales, reemplazando caracteres convencionales por objetos, rayando las letras, escribiéndolas a mano o interactuando con ellas para potenciar la expresión de cada historia. Era diseño editorial tratado como arte, no como oficio menor.

Además, fue en Glamour donde Pineles comenzó a desarrollar su faceta como directora creativa en el sentido más amplio del término. Generó en la redacción un espacio donde los colaboradores podían explorar sus ideas con libertad, convencida de que las mejores revistas nacen del diálogo entre directora y creadores. Para ella, las publicaciones femeninas no eran simples catálogos de moda o consejos de belleza, sino un medio para mostrar el nuevo rol que la mujer estaba construyendo en la sociedad americana de posguerra. Esa visión editorial avanzada a su tiempo le valió reconocimiento en el sector, aunque también cierta resistencia por parte de quienes preferían que las cosas siguieran como siempre habían estado.

La revolución silenciosa de Seventeen

Si Glamour fue el laboratorio donde Pineles afinó su lenguaje, Seventeen fue el escenario donde lo aplicó con mayor ambición intelectual. A partir de 1947 asumió la dirección artística de esta publicación, la primera revista orientada específicamente a adolescentes, creada por Helen Valentine. En aquel contexto, diseñar para chicas jóvenes era un encargo que muchos habrían resuelto con condescendencia visual, apostando por lo decorativo y lo inocuo. Pineles hizo exactamente lo contrario.

Su gran apuesta en Seventeen fue la que la haría pasar a los libros de historia del diseño gráfico: fue la primera directora artística en contratar a artistas plásticos de primera línea para ilustrar artículos en una publicación de masas. Encargó trabajos a pintores como Ad Reinhardt, Ben Shahn, Richard Anuskiewicz o el jovencísimo Andy Warhol, partiendo de la convicción de que las lectoras jóvenes tendrían pocas barreras para aceptar el arte contemporáneo si se les presentaba de forma adecuada. También colaboró con fotógrafos como Cornell Capa o Toni Frissell y con diseñadores de la talla de Ladislav Sutnar. La revista se convirtió así en una plataforma de cultura visual sofisticada disfrazada de publicación juvenil, y eso era exactamente lo que Pineles quería.

El resultado fue una redefinición de lo que podía ser una revista para mujeres jóvenes. No había espacio para la condescendencia ni para los clichés del glamour artificial. Las lectoras de Seventeen se encontraban frente a páginas que las desafiaban visualmente, que las consideraban personas inteligentes con intereses complejos. Era una declaración estética con consecuencias ideológicas nada desdeñables, especialmente en la América conservadora de finales de los cuarenta.

Charm y la primera revista feminista

Tras su etapa en Seventeen, Pineles pasó a dirigir el departamento de arte de Charm a partir de 1950, una publicación que llevaba como subtítulo «la revista para mujeres trabajadoras». La propia Pineles la describía con orgullo como «la primera revista feminista», y en el contexto de la época esa afirmación no era un ejercicio de marketing sino una postura ideológica real. En los años cincuenta, mientras la publicidad americana celebraba el ideal de la perfecta ama de casa suburbana, Charm se dirigía a mujeres con empleo, con ambiciones profesionales y con una vida cotidiana llena de decisiones propias.

El diseño de la revista reflejaba con exactitud ese espíritu. Pineles rechazó expresamente lo que llamaba «el brillo de un mundo de nunca jamás» para apostar por lo que ella describió en una entrevista memorable: «podría decirse que intentamos transmitir el atractivo de la realidad, en contraposición al glamour artificial». Las páginas de Charm tenían la textura de la vida real, con ilustraciones que hablaban de cotidianeidad, de trabajo, de ciudad. Era, en términos contemporáneos, diseño centrado en la usuaria antes de que ese concepto existiera como tal.

La coherencia entre el proyecto editorial y el proyecto visual fue posible gracias à la relación de trabajo que Pineles mantuvo con editoras como Estelle Ellis, con quien compartía una visión común sobre el papel que las publicaciones femeninas debían desempeñar en la sociedad. Esa sintonía entre dirección editorial y dirección artística produjo una revista que, vista hoy, parece adelantada a su tiempo por varios años. Después de Charm llegaría Mademoiselle, donde continuó redefiniendo el estilo de las publicaciones femeninas con la misma coherencia ética y estética que había marcado toda su trayectoria.

Los techos de cristal que rompió uno a uno

La historia profesional de Cipe Pineles es también, necesariamente, la historia de las barreras que fue derribando de forma sistemática a lo largo de casi seis décadas de carrera. En 1943, después de haber sido propuesta para membresía a finales de los años treinta y rechazada repetidamente por el simple hecho de ser mujer, se convirtió en la primera mujer admitida en el Art Directors Club de Nueva York. La historia de cómo sucedió revela mucho del ambiente de la época: fue su primer marido, William Golden, quien rechazó su propia invitación al club declarando que no quería pertenecer a un club exclusivamente masculino, y Pineles fue admitida al día siguiente.

En 1955 se convirtió en la primera mujer, y la única durante más de una década, en pertenecer à la Alliance Graphique Internationale. En 1975 fue inductada al Salón de la Fama del Art Directors Club, siendo solo la segunda mujer en recibir ese honor. En 1984 la Society of Publication Designers le otorgó el Premio Herb Lubalin, uno de los reconocimientos más relevantes del diseño editorial americano. Finalmente, en 1996, la AIGA le concedió su Medalla a título póstumo, reparando así una deuda que el sector tenía con ella desde hacía décadas. Cabe preguntarse, sin demasiada retórica, cuántos de esos reconocimientos habrían llegado en vida si hubiera sido hombre.

Su vida personal estuvo marcada por dos matrimonios con diseñadores de reconocido prestigio. Con William Golden, director de arte de CBS, estuvo casada desde 1939 hasta la muerte de él en 1959. Años después se casó con Will Burtin, que falleció en 1972. Pineles tuvo la determinación de mantener siempre su nombre profesional propio, una decisión que, en aquel contexto, era en sí misma un acto de identidad.

El legado en las aulas de Parsons

La docencia fue la última gran etapa de Cipe Pineles, y quizás la que garantizó que su influencia trascendiera su propia obra. En 1963 se incorporó al claustro de la Parsons School of Design y asumió además la dirección de diseño de publicaciones de la institución. Allí enseñó durante más de veinte años, hasta mediados de los ochenta, formando a generaciones de diseñadoras y diseñadores que llevaron su forma de entender el diseño editorial a publicaciones, estudios y agencias de todo el país.

Su método pedagógico era coherente con su filosofía de trabajo: exigía a sus estudiantes que desarrollaran un proyecto editorial completo, desde la definición del concepto hasta los materiales de marketing, pasando por el diseño de cada página. Uno de esos proyectos, el Parsons Bread Book, fue tan bien recibido que se publicó como libro de bolsillo por Harper and Row en 1974 y fue seleccionado como uno de los cincuenta libros del año por la AIGA en 1975. Paralelamente, fue nombrada catedrática Andrew Mellon en Cooper Union for the Advancement of Science and Art en 1977, y perteneció al comité del Harvard Graduate School of Design.

También colaboró entre 1961 y 1972 como consultora de diseño del Lincoln Center for the Performing Arts, supervisando la creación de la identidad visual y los materiales de comunicación de esta institución cultural de referencia en Nueva York. Esta faceta de su trabajo demuestra que su comprensión del diseño iba mucho más allá de las páginas de una revista: entendía la identidad gráfica como un sistema coherente capaz de comunicar los valores de una institución con precisión y elegancia.

Cipe Pineles falleció el 3 de enero de 1991 en Nueva York, a los ochenta y dos años. Murió en la ciudad que la había visto construir una carrera sin precedentes, en buena medida ignorada por los grandes relatos de la historia del diseño gráfico norteamericano, oculta con demasiada frecuencia detrás de los nombres de sus maridos o en las notas al pie de libros que ponían en el centro a otros. Su obra, sin embargo, habla por sí sola: setenta años de diseño editorial que cambiaron para siempre la relación entre las publicaciones femeninas, el arte contemporáneo y las lectoras que las tenían entre las manos.

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Referencias

Scotford, Martha (1999). Cipe Pineles: A Life in Design. W.W. Norton & Company. Monografía de referencia sobre la vida y obra de Pineles, ampliamente documentada y considerada la fuente académica más completa sobre su trayectoria profesional y personal.
AIGA Eye on Design (2019). «How Cipe Pineles Paved the Way for Female Designers—and Turned Fashion Mags into Art». Artículo de divulgación crítica publicado en la plataforma de la principal asociación de diseño de Estados Unidos, con análisis de su contribución al archivo del diseño gráfico americano.
Eye Magazine (2005, nº 58). «The Cultured Sensibility of Cipe Pineles». Reseña crítica publicada en la revista especializada Eye, considerada una de las publicaciones de referencia en historia y crítica del diseño gráfico a nivel internacional.
Print Magazine (2017). «Recipes From A Legendary Designer». Artículo publicado en Print, una de las publicaciones más antiguas y reputadas del diseño gráfico americano, que recoge aspectos personales y profesionales de Pineles con testimonios de personas de su entorno.
Duke University Libraries, Archives & Manuscripts (s.f.). «Cipe Pineles Papers, 1925−2005». Fondo documental que conserva la correspondencia, ilustraciones, materiales de diseño y documentos personales de Pineles, custodiado en los archivos de la Duke University.