Un cartel de Jacqueline Casey suele dejar dos impresiones que parecen incompatibles. La primera es de orden: alineaciones exactas, tipografía de palo seco, espacios medidos y una jerarquía que conduce la lectura sin tropiezos. La segunda es de extrañeza. Una «x» aparece recortada en el espacio negativo, dos líneas curvas atraviesan una composición rígida o las palabras…
Mehemed Fehmy Agha llegó a «Vogue» en 1929 procedente de Berlín y lo transformó todo: introdujo la tipografía sans-serif, el sangrado fotográfico, la doble página como unidad de diseño y la primera portada fotográfica en color de la revista. Su trabajo en Condé Nast redefinió el papel del director de arte y sentó las bases del diseño editorial moderno. Este artículo recorre su trayectoria y explica por qué sus decisiones de hace casi un siglo siguen siendo una referencia válida para cualquier empresa que quiera mejorar sus publicaciones corporativas.
Los sistemas editoriales son el conjunto de plantillas, reglas tipográficas y criterios visuales que permiten a cualquier empresa mantener coherencia en su comunicación sin depender de una sola persona. En un contexto de crecimiento, la ausencia de un sistema provoca documentos inconsistentes que transmiten desorganización. A través de referentes históricos como el manual de Lufthansa de Otl Aicher o el trabajo de Paul Rand para IBM, y con datos actuales sobre eficiencia, este artículo explica cómo construir un sistema editorial práctico y escalable que funcione como activo estratégico de la organización.
Josef Müller-Brockmann (1914−1996) fue el diseñador gráfico suizo que sistematizó el uso de la retícula y la tipografía funcional, convirtiéndose en referente del Estilo Tipográfico Internacional. Sus carteles para la Tonhalle de Zúrich, su sistema de señalética para los Ferrocarriles Suizos y su libro «Sistemas de retículas» son hitos de la comunicación visual del siglo XX. Un recorrido por su pensamiento, su obra y su vigencia en el diseño editorial, corporativo y digital actual.
El principio de la valla de Chesterton, formulado en 1929, sigue siendo la mejor guía para tomar decisiones de diseño y branding. Antes de cambiar una identidad visual consolidada, hay que entender qué está sosteniendo. Tropicana, Gap y Pepsi aprendieron esta lección de la manera más cara. Massimo Vignelli y Jan Tschichold la conocían bien. Este artículo explora la diferencia entre actualizar, evolucionar y revolucionar en diseño editorial e identidad corporativa, y por qué confundirlas puede costar mucho más de lo que aparece en cualquier presupuesto.
Los diseñadores editoriales vivimos en un estado de atención permanente al detalle que resulta incomprensible para quien está fuera del gremio. La elección tipográfica, la combinación de colores, las líneas viudas, la resolución de imágenes: cada decisión tiene consecuencias visuales, emocionales y profesionales. Este artículo analiza por qué esa obsesión no es un defecto sino la condición necesaria para un diseño bien hecho, cuándo se convierte en trampa y qué tienen en común los grandes maestros del diseño: Jan Tschichold, Beatrice Warde y Massimo Vignelli.
Luca Pacioli, fraile franciscano y matemático del Renacimiento italiano, es conocido como padre de la contabilidad moderna. Pero su influencia en el diseño visual es igual de profunda: su tratado «De divina proportione», ilustrado por Leonardo da Vinci en 1509, formalizó la proporción áurea y sentó las bases del diseño tipográfico y la composición visual proporcional. Cinco siglos después, su legado sigue vivo en cada retícula editorial, en cada sistema tipográfico y en cualquier decisión de diseño que busque armonía entre forma y espacio.
La proporción áurea, ese número irracional de valor 1,618, lleva más de dos milenios fascinando a matemáticos, artistas y diseñadores. Este artículo recorre su historia, desde su primera definición en los «Elementos» de Euclides hasta el Modulor de Le Corbusier, y explica cómo aplicarla en diseño gráfico y editorial: construcción de retículas tipográficas, jerarquía de texto con la sucesión de Fibonacci, diseño de logotipos y maquetación de libros. También aborda el debate crítico sobre si es una herramienta real o un mito estético. Una lectura esencial para profesionales del diseño.
Las leyes de la Gestalt son principios psicológicos que explican cómo el cerebro organiza la información visual. Formuladas a principios del siglo XX, son la base de muchas de las decisiones más importantes del diseño gráfico: desde la maquetación de documentos corporativos hasta el diseño de logotipos. En este artículo exploramos sus principios fundamentales —proximidad, semejanza, cierre, figura y fondo, continuidad— y cómo aplicarlos de forma práctica para crear comunicaciones visuales más eficaces, coherentes y profesionales.
Exploramos qué es la rejilla base, de dónde viene y por qué sigue siendo clave en diseño editorial profesional. Vemos cómo estas líneas horizontales invisibles crean ritmo vertical, coherencia y legibilidad en revistas, libros técnicos o documentos corporativos extensos, especialmente con múltiples columnas e información compleja. Advertencias sobre sus límites: puede volverse rígida, complicar titulares y resultar poco práctica en entornos web muy flexibles o proyectos experimentales. Proponemos usarla con criterio, aplicar estilos de párrafo, aceptar excepciones y combinarla con sistemas modulares, escalas de espaciado y grids responsive para equilibrar orden y creatividad.